Por: Yaraví Álvarez Hidalgo Antropóloga de la UAEM
¿Qué pasaba con el arte durante el siglo XVII?
El siglo XVII pertenece a Francia. Una nueva era de refinamiento se extendió por toda Europa. Los franceses introdujeron las reglas de la etiqueta. En la mesa, por ejemplo, empezaron a utilizarse habitualmente el cuchillo y el tenedor. El idioma francés era hablado por las clases altas en todo el continente.
La pintura y la arquitectura barrocas fueron introducidas por los católicos italianos y después por Luis XIV. Este movimiento artístico comprende de tres estilos:
1.- El barroco extravagante u operístico, está vinculado a la invención de la ópera y al pomposo estilo de las iglesias.
2.- El barroco realista creció mediante un acercamiento de la pintura y se desarrolló gracias a los grandes artistas del momento: Caravaggio en Italia, Velázquez en España y Rembrandt en Holanda.
3.- El barroco clasicista surgió de las redondeadas formas de la arquitectura patrocinada por la corte de Luis XIV, representadas por el frío y severo espíritu de los diseños de Perrault para la fachada del Louvre, y por el palacio de Versalles.
El arte barroco nació en Roma en 1600, impulsado por los Papas, que habían afianzado su poder tras las reformas del Concilio de Trento. Existen muchas opiniones del término y uno de los más aceptados procede del portugués barroco y del español barrueco, palabras que dan nombre a perla de forma irregular, puesto que no respeta las reglas y las proporciones clásicas. La finalidad del arte de esta época es impresionar y conmover, por lo que tiende a la teatralidad, creando obras espectaculares.
El arte de esta época impactó en tres categorías: Arquitectura, escultura y pintura.
Tenebrismo
Sin duda, y de manera personal, la época del barroco es mi época artística favorita. ¿Has escuchado hablar del tenebrismo en la pintura barroca? Básicamente es uno de los movimientos artísticos posteriores al renacimiento, y estuvo profundamente influenciado por los cambios que el renacimiento produjo. La “nueva luz “. Artistas como Caravaggio, representaron fuertes haces de luz incidiendo sobre los cuerpos de sus lienzos. El tenebrismo usó la luz renacentista del conocimiento para develar los aspectos humanos que más rechazaba la iglesia durante la Edad Media. El pintor, debía ser un experto de la hermenéutica de la pintura, además de serlo de los materiales. Caravaggio, quien fue una figura prominente desde joven, tenía un interés particular por el lado humano oculto que tanto desdeñaba la iglesia. Desde joven buscaba exaltar la realidad para generar reacciones en la gente. Caravaggio humaniza a los santos como nunca se había hecho en la historia de la pintura. Lo grande de Caravaggio es saber plasmar en un lienzo el drama del género humano, mediante un lenguaje plástico y teatral que rompe los límites de lo convencional.
Rembrandt Van Rijn
Otro pintor igualable de esta época fue Rembrandt Van Rijn. Holandés de estilo barroco, considerado el artista pictórico más talentoso y prolífico de la historia de este país. Mencionaré dos rasgos de la pintura de Rembrandt: 1. su predilección por el estilo rudimentario o descuidado, frente al estilo suave y preciosista que se acabó imponiendo en el gusto de la época. 2. su tratamiento dramático de la luz. Rembrandt representa el rostro, como expresión externa de aquel contenido: el alma y no como espejo.
¿Qué pasaba con el rol de la mujer en esta época?
Las mujeres aún no tomaban parte activa en la vida política y comercial. Sin embargo, en el siglo XVII comenzaron a expresar sus ideas libremente con la introducción del “salón “. Los salones eran abiertos generalmente por mujeres ricas, como Lady Caroline Holland, Madame de Stael, Madame de Chevreuse y Madame de Sévigné. Las mujeres que trabajaban recibían menor salario que los hombres. El matrimonio y el cuidado de los hijos se consideraban todavía las principales ocupaciones de la mujer. Las mujeres abandonaron el excesivo uso de la decoración renacentista, ahora llevaban amplias faldas ornadas con un pesado galón, y el cuerpo escasamente adornado con joyas sencillas. Un cuello caído de encaje reemplazó a la restrictiva gorguera.
Las siluetas de las prendas eran más suaves y redondeadas. El vestido estaba compuesto por 3 piezas: corpiño, faldilla o falda debajo y falda exterior o basquilla. Las mangas eran más cortas, terminaban en el antebrazo con una cascada de encajes. El talle de los vestidos asciende y, con una falda amplia, se lleva un cuerpo menos ajustado, abrochado en el delantero. Aún se empleaban rellenos en las caderas. Mientras que los ornamentos, figuraban el uso de piedras de color, preciosas o semipreciosas, como topacios, zafiros, rubíes, esmeraldas, turquesas y corales, eran las favoritas de la corte. Anillos y brazaletes adornaban las manos y los brazos de las mujeres pudientes. Sólo la realeza y las personas muy adineradas podían permitirse el lujo de llevar joyas, algunas de las cuales eran de excesivas proporciones. Los bolsos también se empleaban desde el principio para transportar los pequeños objetos cotidianos, guardaban objetos como un abanico, un espejo.
Hasta aproximadamente 1675, la ropa de las clases acomodadas había sido confeccionada por sastres o por sirvientes, pero, a partir de ese momento, la tarea pasó a manos de los couturiers (el término que designa a la persona encargada de crear un vestido. La traducción exacta seria costurero/a, aunque también podría ser modista de alta costura).
A finales del siglo XVII se apreciaba una marcada diferencia entre las prendas masculinas y las femeninas. Reaparece la estacionalidad de prendas. Mientras que para los varones se apagó la moda de jubones y grandes rellenos. Durante las décadas 1720 y 1730, los hombres vestían chalecos largos. El bordado era blanco con hilos de algodón y lino. Los componentes del traje masculino se mantuvieron –una prenda encima, chaleco y calzón- pero el estilo barroco, pasó a ser más ligero en el rococó a principios del neoclásico. Hacía el final de este periodo surgió la levita, basada en el atuendo de caza francés. Traje de corte estilizado: habit (casaca, chaleco y calzón). Camisa blanca, chorrera, puños con volantes y medias de seda, con impactantes colores, lujosos tejidos y corte esbelto y ajustado con cuello alzado. Derivado del estilo estético y elegante que mostraban los hombres al vestir, da paso al nacimiento del Dandi.
Dandismo
Beau Brummell, fue, seguramente, uno de los primeros hombres que destacó por su refinamiento y que hizo de él su modo de vida. El dandismo nace en Inglaterra a principios del siglo XIX, en el marco de la monarquía absoluta.
Para Baudelaire, la figura del dandi nacerá de la confluencia de la estética nietzscheana, con su concepto de “gran estilo”. El dandi se convierte, pues, en artista de sí mismo; es una obra de arte viviente. Los dandis se desprendieron de todo lo que resultaba excesivo en el guardarropa masculino -volantes y corbatas de encaje, medias de seda blancas, zapatos con hebilla-, en provecho de líneas sobrias e impecables. Sin embargo, uno de los representantes más emblemáticos de esta ola, es Oscar Wilde, pues él mismo declaraba que su nombre era lo suficientemente bello para estar en boca de todos. Oscar estaba obsesionado por la belleza y la juventud, sobre todo, si era masculina.
Para finalizar, el paso industrial más significativo para la moda fue la máquina de coser, ya que se le denominó “la democratizadora de la moda”. Las máquinas de coser se podían adquirir y pagar a plazos, pero los bajos ingresos que obtenían las mujeres por el trabajo mal pagado de costureras las convertían en esclavas de sus máquinas. La máquina de coser y otras innovaciones mejoraron y aceleraron la producción de prendas de confección, que habían estado disponibles en algunas tiendas de París desde 1830.
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